5 meilleurs films originaux Netflix sortis en 2023

Photos : Netflix

Quelle année pour le plus grand streamer du monde.

Alors que la première moitié de l’année a été largement connue pour ses échecs critiques largement vus par les stars (Apologies to Chez toi ou chez moi, Vous Les Gens, La Mère), la seconde moitié de l’année a été marquée par de nombreux succès. D’une superproduction à succès à de multiples films en lice pour la saison des récompenses, l’année cinématographique de Netflix a été complètement bouleversée et pourrait l’aider à obtenir quelques récompenses à l’approche de la cérémonie des Oscars en mars.

Bien que cette liste ne représente pas les films les plus regardés de l’année, je pense qu’il s’agit des meilleurs films que Netflix a eu à offrir au cours des 12 derniers mois.

Sans plus attendre, voici mon Top 5 des films originaux Netflix de 2023.

Veuillez noter que cet auteur n’a pas vu Society of the Snow, candidat au prix du meilleur long métrage international, car il ne sera pas disponible sur Netflix avant le 1/4/24. Cette liste ne prend pas non plus en compte les courts métrages de Wes Anderson/Roald Dahl, car il n’a pris en compte que les longs métrages.

5. BLOOD & ; GOLD

Réalisateur : Peter Thorwarth
Cast : Robert Maaser, Marie Hacke, Alexander Scheer, Jordis Triebel
Classé: TV-MA

Réalisé par Peter Thorwarth (Netflix’s Blood Red Sky), Sang et or poursuit le succès des westerns modernes de Netflix tout en affichant clairement ses influences de films de gare du 21e siècle.

L’histoire, qui se déroule au printemps 1945, met en scène Heinrich (Robert Maaser), un déserteur allemand, Elsa (Marie Hacke), une jeune et courageuse fermière, et toute une série de nazis. Alors qu’il rentre du front pour retrouver sa fille, Heinrich tombe dans les griffes d’une troupe de SS en maraude. Leur chef (Alexander Scheer) le laisse pendu à un arbre pour sa désertion, avant d’être découvert &amp ; sauvé in extremis par Elsa, qui le cache dans sa ferme. Pendant ce temps, les SS recherchent un trésor juif caché dans un village voisin. Ils se heurtent à la résistance acharnée des villageois qui veulent garder le trésor pour eux. Bientôt, Heinrich et Elsa sont entraînés malgré eux dans une chasse à l’or pleine d’action, qui culmine dans un affrontement sanglant à l’église du village.

Le film conserve la quintessence du style western classique – dynamique Chapeau blanc / Chapeau noir, affrontements dans les petites villes, or enfoui, rythme méthodique, partitions emblématiques – et les présente avec un flair ultra-violent moderne typiquement réservé à Tarantino et à ses disciples de plus en plus nombreux. Si vous aimez tuer des nazis dans le style audacieux et pulpeux d’Inglorious Basterds et d’Overlord, c’est votre type de film. Alerte au spoiler – c’est aussi le mien.

Alors que le film s’articule autour de l’arc narratif de Heinrich (exécuté de manière remarquablement stable par Robert Maaser), son riche mélange de personnages secondaires en fait un film plus profond &amp ; plus satisfaisant. L’Elsa de Marie Hacke, la Sonja de Jordis Triebel et le lieutenant-colonel von Starnfeld d’Alexander Scheer élèvent l’intrigue de vengeance moins exigeante et nous engagent avec le charme et la force d’âme que le public mérite, sans tomber dans l’absurdité caricaturale. Alexander Scheer connaît bien cette absurdité grâce à son interprétation de Eight Ball dans Blood Red Sky.

Sang et or est un ajout impressionnant &amp ; agréable à la liste croissante des variations sur le western classique. Sanglant, mais pas grotesque. Méthodique mais jamais ennuyeux. Je suis heureux de constater qu’il reste le seul représentant de la liste avant que l’été ne démarre officiellement avec notre sélection n°4.

4. EXTRACTION 2

Directeur : Sam Hargrave
Distribution: Chris Hemsworth, Olga Kurylenko, Golshifteh Farahani, Adam Bessa, Tornike Gogrichiani, Idris Elba
Classé: R

Pour le meilleur ou pour le pire, la Extraction est la meilleure franchise cinématographique que Netflix ait produite jusqu’à ce jour (avec de légères excuses à l’égard de la série des À tous les garçons &amp ; Kissing Booth ). Le film original a fait irruption sur la scène au plus fort de la pandémie en 2020 en combinant plusieurs acteurs clés du succès du Marvel Cinematic Universe. Extraction s’appuyait sur les noms de Chris Hemsworth et des frères Russo (Avengers : Infinity War/Endgame) ainsi que l’impressionnant CV de cascadeur du réalisateur Sam Hargrave (Captain America : Civil War, Infinity War/Endgame) pour inciter 99 millions de téléspectateurs de Netflix à le regarder au cours des quatre premières semaines de diffusion.

Le réalisateur Sam Hargrave et le scénariste Joe Russo auraient pu faire ce que de nombreux cinéastes font avec leurs suites et reprendre le même schéma avec des budgets plus importants, des cascades plus somptueuses et une intrigue encore plus réduite, comme pour dire « nous savons pourquoi vous êtes là et voilà ».

S’il a plus d’argent et de puissance de feu, Extraction 2 a aussi plus de cœur et des liens plus profonds qui servent à augmenter les enjeux de son buffet ultra-violent. Pour le dire clairement comme la voix off d’une bande-annonce de film des années 1990, Tyler Rake est de retour… et cette fois, c’est personnel.

L’homme au désir de mort du premier film (Chris Hemsworth dans le rôle de Tyler Rake) a survécu à l’impensable et trouve un but sous la forme d’une nouvelle mission demandée par la seule personne qu’il lui reste à prouver : son ex-femme Mia (jouée par Olga Kurylenko) qu’il a laissée derrière lui pour s’occuper de leur fils dans les derniers jours de sa bataille contre le lymphome. Au nom de l’honneur et de la rédemption, nous suivons Rake et son équipe alors qu’ils s’attaquent au chef d’une vicieuse famille du crime afin de sauver la sœur de Mia et ses enfants de son emprise.

Le mélange des éléments de base des films d’action tels que les relations père/fils, les récits de vengeance et la fin des cycles de violence avec les motifs susmentionnés de Rake donne lieu à un récit beaucoup plus convaincant que celui de son prédécesseur. Il est également très, très utile si vous faites exploser plusieurs hélicoptères ou si vous poignardez un méchant avec une fourche pendant que vous le faites.

Extraction 2 sait parfaitement ce que veut son public tout en lui proposant une histoire dont son personnage central et sa franchise en plein essor ont désespérément besoin. Hemsworth a trouvé une voie appropriée pour aller de l’avant alors que son rôle dans le MCU pourrait diminuer et Hargrave semble de plus en plus être un succès en tant que réalisateur, prenant sa place parmi ses anciens cascadeurs devenus réalisateurs comme Chad Stahelski (John Wick) & ; David Leitch (Deadpool 2, Train à grande vitesse).

3. LE TUEUR

Réalisateur: David Fincher
Cast : Michael Fassbender, Tilda Swinton, Charles Parnell, Arliss Howard
Classé : R

Basé sur le roman graphique français du même nom créé par Alexis Nolent &amp ; Luc Jacamon, The Killer nous emmène dans l’univers d’un assassin international qui se prépare méticuleusement pour sa dernière mission. Après avoir frôlé la catastrophe, il est en fuite, prêt à affronter ses employeurs – et lui-même – alors qu’il se lance dans une chasse à l’homme mondiale qui, selon lui, n’a rien de personnel.

Le film est une sorte de réunion pour Fincher et son ancien collaborateur scénariste, Andrew Kevin Walker, qui a travaillé sur les scénarios de Sept et Fight Club au milieu et à la fin des années 1990. Fincher fait également appel à son directeur de la photographie de prédilection, le lauréat d’un Oscar Erik Messerschmidt (Mank, Mindhunter) et les compositeurs Trent Reznor et Atticus Ross (The Social Network, Gone Girl, La fille au tatouage de dragon).

S’il a peut-être fait un petit détour avec son projet plus personnel MankLe réalisateur David Fincher est revenu à son amour pour les bas-fonds de la société avec Le Tueur. Tueur à gages dans le cadre d’un réseau dirigé par un avocat spécialisé dans le commerce international et son ancien élève. Ils travaillent pour l’élite fortunée. Ils couvrent leurs traces avec une extrême précision. Utiliser les commodités modernes telles que les stations WeWork, les ramassages Amazon et les livraisons Postmates pour mener à bien leurs missions. On dirait le terrain de jeu idéal pour l’homme qui a fait de Se7en, La fille au tatouage de dragonet Chasseur d’esprit.

Ce qu’il pourrait trouver encore plus attrayant que cette profession plus grinçante et plus brutale, c’est l’approche calculée et l’attention minutieuse aux détails qu’elle exige. L’homme connu pour ses plus de 50 prises sur une scène ou pour avoir abandonné des performances solides parce qu’un figurant ne marchait pas comme il le fallait peut en venir à apprécier un homme qui doit abaisser son rythme cardiaque à moins de 60 pour tirer sur sa cible à longue distance à travers des fenêtres en verre. Si le diable est dans les détails, alors ce film va directement en enfer. Comme le dit le chef des assassins après avoir fait exploser une maison avec un cocktail Molotov : « C’est ce qu’il faut… Ce à quoi vous devez vous engager… si vous voulez réussir. »
Quelles que soient ses motivations ou ses inspirations, Fincher a certainement trouvé sa muse avec son acteur principal, Michael Fassbender. Un acteur capable d’incarner à la fois un intellectuel froid et prudent dans Steve Jobs et un mystérieux agent d’entretien dans Haywire devait figurer en tête de la liste des personnes à engager par Fincher. Heureusement pour nous, Fassbender a accepté la mission. Il nous aspire avec sa narration monotone expliquant les vertus de l’écoute de la musique comme distraction saine ou sa mentalité de « ne pas s’en foutre » ou de « ne pas porter de drapeau », puis nous époustoufle avec ses qualités athlétiques et sa férocité lorsque le devoir l’appelle.

Les fans de Fincher se délecteront de The Killer’s Le retour à la forme de The Killer en tant que thriller sombre et morose devrait également se traduire par un volume accru de comédie discrète, largement absente depuis l’époque des premiers scénarios d’Andrew Kevin Walker. Même dans les moments les plus frénétiques, la narration de Fassbender se transforme en boutades dignes du Fight Club, comme « WWJWBD… Que ferait John Wilkes Booth ? » ou « Comment ça se passe, je n’en ai rien à foutre ». Il se lance même dans des lamentations sur sa profession, notamment « À quand remonte ma dernière noyade tranquille ? » ou « C’est incroyable à quel point il est physiquement épuisant de ne rien faire » – un de mes préférés, qui pourrait être l’hymne des critiques de cinéma. Les spectateurs qui apprécient les petits détails pourront également sourire des pseudonymes de personnages de sitcom que le tueur doit utiliser de temps à autre, bien qu’Archie Bunker puisse être un peu trop si vous essayez de passer inaperçu. N’oublions pas non plus l’utilisation étonnamment pertinente du groupe britannique de rock indépendant The Smiths comme fond d’écran sonore pour l’ensemble du film. The Killer’s de The Killer. Les mélodies régulières sont rehaussées par les crooners mélancoliques de Morrissey, avec des paroles si obsédantes qu’un tueur à gages les aimerait bien sûr. Des lignes comme « I am human and I need to be loved just like everybody else does » (Je suis humain et j’ai besoin d’être aimé comme tout le monde) de ma chanson préférée des Smiths « How Soon is Now ? » servent presque de désir silencieux pour le tueur alors que nous découvrons subtilement sa romance secrète qui motive sa vengeance. La chanson du générique de fin « There is a Light That Never Goes Out » est également la plus romantique qu’un assassin de sang-froid puisse avoir avec son refrain sombre et clin d’œil « … to die by your side is such a heavenly way to die ».

Dans l’ensemble, Le tueur est un regard soigneusement élaboré et étonnamment ludique sur une profession sombre et vicieuse. Sa brillance réside dans son ambiance, son niveau de détail, son humour et ses performances glaciales. Fassbender s’acquitte de sa tâche comme lui seul peut le faire, mêlant stoïcisme, athlétisme et humour mordant tandis qu’il se fraye méthodiquement un chemin vers le danger et s’en sort. Si l’exécution est de premier ordre et terriblement captivante, la substance peut vous laisser sur votre faim, mais c’est un voyage qui en vaut la peine.

2. MAI DECEMBRE

Directeur : Todd Haynes
Cast : Natalie Portman, Julianne Moore, Charles Melton
Classé : R

Note de la rédaction : Le film est uniquement disponible sur Netflix aux États-Unis et au Canada.

Avec de multiples nominations aux Critics Choice &amp ; les Golden Globes déjà dans sa poche, le dernier film du réalisateur Todd Haynes (Carol, Far From Heaven) semble être un concurrent majeur dans la saison des récompenses de cette année.

Basé en partie sur l’affaire Mary Kay Letourneau de 1997, l’histoire est centrée sur un couple marié, Gracie &amp ; Joe, qui vivent dans la banlieue de Géorgie avec leurs enfants jumeaux. Cependant, leur histoire n’est pas celle d’une romance ordinaire – Gracie et Joe se sont rencontrés et sont tombés amoureux lorsque Joe était un employé d’animalerie à temps partiel de 13 ans et que Gracie était son employeur marié d’une trentaine d’années.
Aujourd’hui, des décennies après leurs débuts criminels, la relation entre Gracie et Joe va de nouveau être scrutée à la loupe, car un film indépendant va donner vie à leur histoire sur grand écran. Bien que prudents et préoccupés par le projet, Gracie et Joe acceptent que l’actrice principale qui jouera Gracie dans le film, Elizabeth Berry, suive leur famille et comprenne comment leur relation est née. Cependant, au fur et à mesure qu’Elizabeth creuse et que le mariage de Gracie &amp ; Joe commence à plier sous la pression, l’histoire se concentre moins sur le passé sensationnel que sur le présent compliqué d’une famille en crise.
Avec Gracie et sa relation avec Joe, Haynes revient à l’un des éléments les plus familiers de son histoire : la décadence d’une vie apparemment parfaite. La maladie mentale et la maladie physique font leur apparition dans Safe. Le mariage qui s’effrite et les désirs sexuels cachés dans Far From Heaven. Le mariage sans amour et commode qui tourne mal dans Carol. Dans May December, Gracie et Joe semblent avoir un mariage éprouvé qui prospère malgré leur passé. Vivant dans une communauté pittoresque avec leurs amis, leur famille et leur carrière, ils semblent avoir tout ce qu’il faut. Cependant, au fur et à mesure que l’histoire se déroule, le public prend lentement conscience de toutes les fissures de la façade. Manipulation toxique et comportement contrôlant découlant de la dynamique de leur relation initiale entre un adulte et un enfant. Relations secrètes &amp ; aventures d’un soir. Des enfants mis de côté ou vivant dans l’ombre d’un mauvais type de célébrité et de notoriété. Tout cela est effacé ou repoussé par la marionnette insécure et suffocante aux ordres de Gracie.

L’interprétation d’Elizabeth Berry par Natalie Portman, son rôle le plus intéressant depuis Black Swan, est le portrait d’une femme qui admire tous les mauvais aspects de son sujet et utilise ces traits pour s’enfoncer dans son existence soigneusement élaborée. Allant de la méthode de jeu inconfortable aux niveaux de mépris sociopathiques, l’Elizabeth de Portman brouille les lignes entre ses propres capacités à manipuler et à rejeter ses proches et le rôle de son sujet sociopathe, qui jette de la culpabilité et de la honte à tout bout de champ.

En associant ces forces à une réalisation magistrale, Todd Haynes crée l’un des meilleurs films de sa carrière. Évoquant le flair dramatique de David Lynch dans sa vision de la banlieue et l’histoire de ses films précédents avec les rôles compliqués que nous jouons dans nos propres vies, Haynes tisse une riche tapisserie de mélodrame, de folie et de métacommentaires. Les éclats audacieux et cinglants de la partition de piano de Marcelo Zarvos mélangés à des textures riches et à des touches de flou créent un ton comique exacerbé, mais parfois savonneux, qui attire notre attention tandis que le drame et les actions se déroulent d’une manière plus subtile et tactique.
La façon la plus radicale dont ce film démontre sa parfaite exécution est dans sa capacité à ne jamais plonger trop loin dans la salacité de son histoire et à ne jamais permettre à nos esprits de s’attarder sur le comportement criminel de ses sujets. Haynes présente le film comme une crise familiale à un moment critique, à la veille d’être exposée. La célébrité des tabloïds des années 90 cède la place à la dissection moderne de vrais crimes &amp ; humanisant le traumatisme familial.
May December n’est pas seulement un film Netflix de premier plan pour 2023, mais aussi un film du Top 10 de l’année. Le scénario empathique, sombrement drôle, &amp ; profondément stratifié de Burch & ; Mechanik correspond parfaitement à la fascination de Haynes pour la décomposition sous les façades immaculées. Portman, Moore et Melton jouent parfaitement les uns avec les autres de la manière la plus inconfortable qui soit. J’espère que ce film continuera à être reconnu à l’approche de la saison des récompenses.

1. MAESTRO

Directeur: Bradley Cooper
Cast : Bradley Cooper, Carey Mulligan, Matt Bomer, Maya Hawke, Sarah Silverman
Classé : R

Initialement prévu par Paramount Pictures avec des réalisateurs aussi prestigieux que Martin Scorsese et Steven Spielberg, Maestro est le biopic tant attendu qui retrace la relation de toute une vie entre le légendaire chef d’orchestre et compositeur Leonard Bernstein et l’actrice Felicia Montealegre Cohn Bernstein. Le film est le deuxième long métrage méticuleusement conçu par le réalisateur Bradley Cooper, qui est également producteur, co-scénariste et vedette, comme il l’avait fait dans son premier long métrage, Maestro. Une étoile est née de retour en 2018.

De même, à l’instar de Une étoile est néeCooper semble avoir été acclamé, puisqu’il a déjà atteint le circuit des récompenses avec 8 nominations au Critics Choice et 4 au Golden Globe, tout en étant désigné comme l’un des meilleurs films de l’année par l’AFI et le National Board of Review.

Cependant, le film n’a pas été sans détracteurs. Certains ont critiqué le fait que l’histoire de Bernstein ait été réduite à sa fréquentation et à son mariage avec Felicia, surtout si l’on tient compte de son mode de vie homosexuel en dehors de cette relation. Cependant, j’ai trouvé la plupart des décisions prises dans ce film plutôt remarquables, y compris celles que d’autres ont déplorées.

Le film n’élude aucune des nombreuses vies de Bernstein et se concentre sur l’évolution constante de son partenariat avec sa femme pour les dépeindre toutes. Cooper dresse le portrait d’un artiste torturé qui passe constamment d’un monde à l’autre sans jamais trouver satisfaction dans aucun d’entre eux. Considéré par beaucoup comme le plus grand chef d’orchestre américain, il s’est toujours tourné vers la création en tant que compositeur pour se maintenir à flot. Puni par sa propre mesure parce qu’il ne créait pas assez, même s’il a composé plusieurs œuvres musicales intemporelles, notamment West Side Story &amp ; On Le front de mer. A l’extérieur, un papillon social grégaire qui pourrait illuminer n’importe quelle pièce, alors qu’à l’intérieur il souffre de profondes dépressions qui auraient fait dérailler sa carrière sans son éthique de travail et son solide système de soutien. Et, bien sûr, sa relation avec Felicia ; connaissant parfaitement ses désirs homosexuels, il est attiré par elle car elle le voit pour tout ce qu’il est et est heureuse – pour un temps – de jouer les rôles qui répondent à leurs besoins. Muse, gardienne, confidente, figure maternelle, assistante de direction, coach de vie. Même avec tout ce qu’elle lui a donné, il en a profité et n’a pas réussi à trouver l’équilibre dont il avait désespérément besoin.

L’intérêt de l’écriture qui se concentre sur la vie de Bernstein telle qu’elle a été façonnée, brisée, &amp ; sauvée par Felicia est que nous pouvons voir tous les angles de la façon dont sa vie s’est déroulée et comment elle a affecté les personnes qui lui étaient les plus proches. Pour chaque étape de la carrière de Bernstein ou chaque nouveau niveau de célébrité atteint, le public peut se délecter de ses succès, s’émerveiller de sa maîtrise des différentes formes, mais aussi voir comment cela a érodé la force de Felicia ; une femme qui a tout maintenu ensemble, s’est mise en retrait, a nié les rumeurs, a menti à ses enfants, et a fait ce qu’elle pensait être le mieux pour le bien de ce qui comptait le plus.

Si les deux premiers actes de Maestro Le film a le mérite de montrer les montagnes russes émotionnelles &amp ; les tempêtes traversées avant qu’il ne s’effondre brièvement, mais c’est le dernier acte du film qui nous récompense pour notre endurance. Dans une séquence chargée de clips de la bobine des Oscars, Carey Mulligan (Promising Young Woman, She Said) donne son meilleur travail à ce jour dans une scène de restaurant où elle fait face à sa dynamique imparfaite avec Bernstein. Son discours sur le fait que c’est elle qui est mensongère parce qu’elle a menti en disant qu’elle n’avait pas « besoin » est si captivant &amp ; puissant et ponctue l’altruisme de son personnage jusqu’à un défaut massif. Sa réplique « Il me manque… mon enfant » montre qu’elle reconnaît les vrais besoins qu’elle a encore pour lui et la dynamique qui la poussera à le reprendre. Cette scène est ponctuée par leur étreinte à la suite d’une conduction en direct de 6 minutes par Cooper ; une performance stupéfiante &amp ; envoûtante sur laquelle Cooper a travaillé pendant 6 ans. Le travail d’amour dans tout ce que ce film accomplit se ressent profondément alors que le film avance vers ses derniers instants.

Dans l’ensemble, Maestro est un triomphe en tant que biopic, une histoire d’amour compliquée, &amp ; une dissection de la vie d’un artiste et de sa muse. La mise en scène de Cooper tisse un équilibre délicat entre toutes les permutations de la vie de Bernstein, du visage mythique de la musique classique en Amérique à la dissimulation d’un créateur dépressif &amp ; renfermé, en désaccord avec ses propres choix. Cooper et Mulligan volent la vedette dans des rôles presque diamétralement opposés, mais parfaitement adaptés. Un casting de qualité, des séquences musicales captivantes, une cinématographie brillante, &amp ; un scénario profondément satisfaisant et émouvant cochent toutes les cases d’un prétendant à la saison des récompenses. Un digne successeur de A Star Is Born pour Cooper, qui placera son nom dans toutes les conversations des meilleurs réalisateurs d’aujourd’hui. Avec Mai Décembre, Maestro a de réelles chances d’être nommé pour le meilleur film, en plus de nombreuses autres reconnaissances bien méritées.

MENTIONS HONORABLES

• Reptile
• Laisser le monde derrière soi
• L’éléphant du magicien
• Le coup de foudre
• Fair Play
• Ils ont cloné Tyrone